爱华网就在许多内地艺术家纷纷以“外围展”的形式空降威尼斯双年展的同时，相反地，巴塞尔艺术展今年前来“殖民”香港，香港巴塞尔艺术展取代了香港艺术博览会，成为本城乃至本国文化艺术热点。其实，艺术既成圈，圈子内万物皆雷同，艺术家自费前往威尼斯，和巴塞尔屈尊往香港，意思是一样的，都是为了让你直接给你想呈现的人看见，前者幻想的是欧洲的眼睛，后者期待的是亚洲的荷包。于是乎，香港巴塞尔与香港艺术博览会也没有什么不同—至少对于老牌画廊与熟练买家来说，一切惊喜都尽在他们掌握之中。
所幸还有些冷静的人，使这个首届香港巴塞尔有得好看，而不只是好卖。湾仔会展新翼终于没有充斥满中国符号，以往林立的岳敏君，这次只剩下一个笑得像便秘的雕像在某个角落捧腹，走过的人都为它感到难堪；刘小东和张晓刚两位老师也很低调，只有一些小清新作品展出，刘小东的蓝瓷小画和版画都是小世界小回忆，但不小情调，颇为动人。前两年以摹画豹子摄影作为自己作品而在香港引起争议的曾梵志，更是消失无踪了。
无疑，中国艺术始终是类似展场最剑拔弩张的一群。香港巴塞尔展里面除了奈良美智的小狗，其余高潮基本都由中国艺术提供—这是压力的体现，也是才华的体现。中国当代艺术家善于转化不利于自由创作的逆境，使之成为作品一部分的爆炸力，这点全世界都看得到，但目前看来不少这样借力打力的艺术品显得过之尤不及，原因有二：一、你使用你所反抗对象的语言来进行反抗，必然沾染其毒气；二、以墙内逻辑去揣测墙外观者或买家反应，唯恐效果不足，结果画蛇添足。
但涉及买卖，博览会的展品从来不能说是代表艺术家最佳最纯粹状态水平的，正如本次展览最敏感的一个论坛主题“市场是不是艺术质量的最佳标准？”（Artforum主办）所揭示的那样，参展画廊当然依赖市场标准，只不过有五十步与一百步之别，也有开拓未来市场以及迎合既有市场之别而已。
相对而言，日本和欧洲画廊冷静很多，这种冷静固然来自引领市场的底气、自信，同时也和资本主义发达阶段的平稳甚至沉闷的社会气氛有关，而诠释这种气氛的努力变成美学之后，又得以深化这么一个问题：“无为社会中，艺术家何为？”
没有更多的社会议题和生存压力下，许多欧洲艺术家得以摆脱“渲染国族与自我的痛苦且标价展示之”的尴尬处境，得以真正以艺术深究自然、精神世界的纯粹魅力。可以说这二三十年欧洲艺术的主潮就是回归理性—或者说以极端理性的技术手段去阐释深度的非理性。像Elias Crespin的《Plano Flexionante》，就以精密计算的机械设计展示了纯粹如巴赫平均律的宇宙律动。这种清醒和冷静，在中国只有极少数成熟但又年轻新锐的艺术家能做到。
日本的当代艺术是更好地结合了理性与非理性的例子，因此本次香港巴塞尔展里面最殷实和繁富的，就是日本画廊的展示。我们可以看到，即使是自杀画家石田彻也的抑郁症油画（是本次展览的重点展品，开幕时有日本暗黑舞踏表演和日本艺术界集体悼念仪式），也是条理分明地展示人类生存处境的束缚，就像卡夫卡的小说一样，极端冷静清晰—真正的噩梦如此，而不是一墙之隔的那些绘画“文革”灾难的象征主义绘画，只知道蒙太奇式堆砌固有的噩梦意象。至于新锐者如照屋勇贤，更是在资本主义最细致的地方（如报纸上、名牌购物袋上）去细意雕刻他的自然世界，他和许多使用传统工艺追求极致的当代日本青年艺术家一样，把本国文化对物的沉迷转化成了很好的对虚妄之物的批判。
与作品的冷相对的是画廊对客人的态度，热情的欧美画廊，不少雇了会讲普通话的介绍员，有的除了在作品标牌上注上汉字，甚至还附上汉语拼音。不过这真是题外话了，我们都知道，真正的国产大款，哪里需要自己看标牌呢？
最终解构这一切热与冷、哗众取宠或者真心愤怒的，还是那些已经习惯了当代艺术的城市人。在齐藤诚绘画的巨大女阴前面，两个高级OL摆出挑逗姿势拍照留念，然后继续谈论她们事业有为的未婚夫。而在玩弄“this dam mad shit/milf film lame male”这种回文诗语言游戏的挑衅口号前面，一群少女优雅地张嘴尖叫。她们与收藏无关，却以庸俗的方式浇给了艺术假面刹那的冷水，把某些出尽奇技淫巧要博买家莞尔一笑的艺术家们还原到弄臣的真面目去了。
