爱华网什么？艺术？ 很抱歉，当设计师的艺术才华并不能转化为赤裸裸的商业利益的时候，就只能被市场舍弃——这就是今天时尚产业的本质。 有些残酷，又有些矛盾。 奢侈品们如此强调历史、文化、背后的故事、艺术感……但在今天究竟还有谁将奢侈品依旧当做一门艺术在坚持？ 艺术挂帅的奢侈品牌 有关时尚和艺术之间关系的争论，好像从未停止过。早在很多年前，在讨论到这个话题的时候，YvesSaintLaurent就曾这样反驳艺术与时尚分离者：“有人提议时尚不是一种艺术，但没有艺术，时尚将不复存在。” 且不说有人将高级订制都定为是艺术的一种，就整个时尚产业来说，的确是需要艺术支撑起来的。“奢侈品”这一概念本起源于尊崇艺术的中世纪欧洲，并以欧洲皇室贵族为主要的消费群体。今天，没有了贵族阶层的支持，历史，文化，艺术等“软因素”成为了奢侈品牌赖以生存和发展的关键，那古老的历史以及源远流长的文化艺术，一丝不苟的制作技艺仍是奢侈品最吸引人的地方。 1.无论是饰品，是丝巾，还是鞋履，艺术，仿佛天生就存在于Hermès的DNA里。 2.DonnaKaren的成名和纽约迅速成为世界时尚中心有着相同的原因——大众消费的民主狂欢时期的来到。
我们以Hermès为例，这个近年来少数经历全球经济波动但销售业绩不降反升的品牌，始终坚持艺术挂帅，每一幅Hermès丝巾都是一件文化艺术的瑰宝，向人们诉说着一段段古老的历史和世界各地的文化精华。上一季Hermès丝巾上的印度的传统纱丽等传统文化特色，让人大饱眼福；2009秋冬最新上市的丝巾系列也继续向全球各地的传统文化致敬：既有向日本天皇极盛时期的平安年代以及日本艺术的传统警句“花鸟风月”致敬的“漫步平安时代”系列丝巾，也有从有200多年历史的“俄罗斯玩具博物馆”寻求灵感，体现俄罗斯民间刺绣风格的作品。此外，Hermès也多次和未来派、抽象派、立体派等各式各样的艺术家合作，可以说，每一条Hermès的丝巾都是一件历经时间考验，精心设计的艺术作品，而不是简简单单一件商品。 3.Hermès的丝巾展，堪称一场艺术的盛宴。每一方丝巾上都流淌着香艳的艺术气息。 4.万宝龙为艺术设立了多项大奖，无论是音乐家还是美术家，都有可能获得万宝龙的艺术支持和资助。 5.ChristianDior也是一位雕琢艺术的大师，他的很多设计作品其灵感都来源异域文化，如绘画、家居、工艺品等。 另外一个尊尚艺术的奢侈品牌万宝龙则认为，书写就是一种文化修养的表现，与文化艺术密不可分。从2004年起开设了鼓励全球所有年轻艺术家积极创作的“MontblancYoungArtistWorldPatronage”计划。通过万宝龙在全球超过330家如艺术馆般的专门店展示年轻艺术家的创作，获胜的年轻艺术家更可以在万宝龙全球的专门店展示其作品达6周之久，从而吸引更多行家和消费者关注，让这些朝气蓬勃年轻艺术家更为人们所接受。通过享有国际声誉的艺术家精心挑选，从2004年起，已经有18位来自全球各地的年轻艺术家幸运地获得这个千载难逢的机遇了。 比高级订制服售价更便宜的成衣，香水，彩妆，手袋，鞋帽以及授权大量生产的T恤等已经控制了整个时尚产业。奢侈品牌的艺术性大大降低了。 营销称王，艺术靠后 在美其名曰的“商业艺术”中，艺术并非艺术这般单纯，而商业也并非赤裸裸的金钱交易，而是披上艺术这层高雅外衣的商业。《名利场》一针见血地评论道，“在时装的世界里面，营销为王，时尚王国的国王并不需要用华服来加冕”。《华尔街日报》记者TeriAgins也曾发表这样的评论：“高级订制的时代已经远去，随即而来的是个人品牌（Name-brand）和消费市场组成的大众式的狂欢嘉年华。” 即使是高级的时装屋也抵挡不了这场大众消费的强烈进攻，看似不可一世的高级订制并没有人们想象中那么好赚钱，甚至可以说是惨淡经营。随着以高级订制服为傲的一代渐渐退出历史舞台，当今大部分的中产阶级对高高在上的高级订制服失去了兴趣和耐性，高街快速时尚如H&M，Zara等的崛起就是最好的证明。同时，时尚的价值也随之越降越低。 1947年ChristianDior先生的“NewLook”所标榜的，“奢华艺术般的时尚”，随着年月的流逝已经失去了光辉。60美元的Dior香水甚至30美元Dior的唇彩就可以过一下贵族的瘾，对广大消费者来说代价很小，而与此同时，Dior的身价也降低了，奢侈品牌的艺术性也大大降低了。事实上，ChristianDior很大程度的收入也得益于成衣线、香水和彩妆线而非其引以为傲的高级订制服。 相似地，Chanel最好卖的是那瓶每五秒就卖出一瓶的NO.5五号圣水以及经典的2.55手袋。顶尖的品牌已经从某种程度上放弃了她对高级艺术的追求，比高级订制服售价更便宜的成衣，香水，彩妆，手袋，鞋帽以及授权大量生产的T恤等已经控制了整个时尚产业。DonnaKaran的成功之处在于捕捉了华尔街和纽约风的精髓，这也可以解释为什么纽约在过去20年来迅速崛起，成为可与巴黎，米兰和伦敦媲美并立的世界时尚之都，而崇尚顶级奢华巴黎只能在记忆里找回过去的辉煌，21世纪所面临的时尚世界不再是封闭的贵族奢华，取而代之的是大众狂欢式的时尚民主。 MartinMargiela是时装学院学生心目中最羡慕的设计师之一，因为他可以恣意地表达自己的设计意愿：让男模“变”成玩偶，让女模放肆地狂欢，随心所欲地设计“奇怪”的鞋履…… 时尚，究竟离艺术有多远? 在许多时装学院学生心目中，川久保玲、山本耀司以及MartinMargiela通常被归类为另类的，非基于商业考虑的时尚品牌。他们也是最为设计系学生所羡慕的设计师：能恣意地表达自己的概念而不用受到股东以及产品销售的压力。MaxMara的总裁LuigiMaramoti相信，设计的服装只有在变成一种可在市场出售的产品之后才能被命名为“时尚”。换句话说，时尚是最终要被出售的商品。而讽刺的是，山本耀司正是于不久之前宣布了破产。 那么，时装周和T台可算是一场艺术秀了吧！ 台上展示的华服和配饰都是最上乘的，最具可观性和视觉冲击力的。在时装秀完场之后，将会收到大量时装买手以及百货公司以及海外的订单。交付订单的过程就是艺术彻底转化为赤裸裸的金钱交易的过程。反过来说，市场上的受欢迎程度和销售数据取代了艺术自身，成为激起设计师创造性的最大原动力。 在《时尚的终结：营销如何永久性地改变时装产业》一书中，提到了时尚达人最爱的设计师MartinMargiela对时尚和艺术两者的界定，MartinMargiela也坦承时尚更像是一门工艺而非一门艺术。他认为，在我们身处的这个时代，对于文化和品味只是浮于表面的了解而不是深层次地分析解读。因此，关于艺术和时尚两者之间最大的关联就是艺术家层面上对服装的解释和表达。设计师对当代文化美学气候的解读越多，时尚就越接近艺术领域。 然而，有多少设计师会坐下来花心思解读当代文化美学气候?!和时间竞赛已经够身心疲累了，对新锐设计师来说，每一次时装秀都是一场生死决斗，胜利的奖励是可以继续其设计生涯，失利的代价甚至可以失去下一次发布作品的机会。是的，营销已经永久性地影响了时尚产业。设计师还是营销大师？TommyHilfiger、RalphLauren等人绝对配得上一代营销大师的称号，大学商学院的MBA案例研究中随处可见他们的名字。品牌产品线扩展，发展中地区的血汗工厂，集团化经营……商业上的抉择是两个品牌发展的关键。 时尚，这到底是门艺术还是生意？ 以艺术性为最大卖点的高级时装定制品牌ChristianLacroix，当年由LVMH集团总裁阿诺特一手创立。但当他发现设计师的艺术才华并不转化为销售业绩和商业利润反而成为集团的负债包袱时，放弃成为了毫不犹豫的事情（ChristianLacroix先生和阿诺特多年的友情和崇高的艺术在商业利益面前都不值一提）。商场如战场，血肉相连的父子在商场上也不见得互相谦让，更可况是多年好友？老套地说一句，Nomoneynotalk，没有钱，一切免谈。没有资本，何来设计和生产一条服装线?没有利润，一个服装品牌何以为继?而那些高深莫测的设计理念和崇高的艺术追求，见鬼去吧，只能存在于设计师郁郁寡欢的内心世界里。所以，设计师的首要任务并不是搞实验性的时装艺术或者举办一些哗众取宠的时装秀，而是尽情地讨好为之买单的消费者。看似毫无顾忌玩弄时尚和艺术创意的JeanPaulGaultier和AlexanderMcQueen是以背后强大的成衣（Ready-to-wear）销售业绩为支撑的。 设计的概念和过程绝对要经过艺术神圣的洗礼，但当时尚成为一门大的产业就是一门赤裸裸的生意经，一旦你想把自己的设计发扬光大，把品牌做强做大，用经营生意来经营时尚就变得理所当然。值得思考的是，在高度强调名人效应和媒体公关营销的今天，从T台到满大街的时尚零售店，究竟还有多少文化艺术的影子存在?好莱坞名人们都趁着声名大噪时顺势推出了个人时尚品牌。 最令人咋舌的是，19岁的《哈里波特》小公主都可以替百年老牌Burberry设计服饰，中学都没毕业的维多利亚·贝克汉姆也能推出个人品牌服饰，JessicaSimpson、GwenStefani、Beyonce、JenniferLopez、JayZ，连丑闻女王和年年荣登最不会穿衣服名单的小甜甜布兰妮也推出香水……设计仿佛成为了无师自通零门槛的活儿，个人名气比起设计理念和剪裁功力在营销为王的大众消费市场中更为重要。如果说在时装界驰骋多年的超模KateMoss和高街品牌Topshop的合作还算有点靠谱的话，那么实在很难理解中学都没有毕业的维多利亚，出现《哈里波特》里的小魔女EmmaWatson以及“坏女孩”LindsayLohan与时尚设计拉上什么关系。想必很多从设计学院科班出身的设计师对他们咬牙切齿地鄙视道：这些明星懂什么设计？！
