爱华网视觉艺术是用一定的物质材料，塑造可为人观看的直观艺术形象的造型艺术，包括影视、绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。造型手法多种多样；所表现出来的艺术形象既包括两维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式，也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式。视觉艺术也有让是产生错觉，从而形成视觉美！
视觉艺术_视觉艺术 -发展历程
视觉艺术的应用于艺术方面的有应用艺术、装饰艺术和手工艺，但是这些都不能一概而论。在19世纪下半叶的英国工艺美术运动中之前，视觉艺术家仅限于从事创作美术的艺术家（例如绘画、雕塑或者版画），而不涉及手工艺者和工艺艺术家。那些在工艺美术运动中高度赞扬本国艺术的艺术家们强化了视觉艺术家的区别。艺术院校认为手工艺者不能代表艺术，使得美术与手工艺分化更明显。贵族特权绘画与雕塑的增长趋势远远超过其他艺术作品成为了西方和东方的特征。东西方的画作很大程度取决于艺术家的想象力，甚至需要劳动力。在中国画中，最被人们推崇的是大师画作，至少是受过理论训练的业余爱好者。西方的艺术等级也表现了同样的态度。
视觉艺术_视觉艺术 -艺术形式
视觉艺术
视觉艺术[Visual Art]视觉艺术是用一定的物质材料，塑造可为人观看的直观
艺术形象的造型艺术，包括影视、绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。造型手法多种多样；所表现出来的艺术形象既包括两维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式，也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式。
视觉艺术不同于听觉艺术，它是看的见，用手摸的到的艺术，强调真实性。绘画艺术、雕塑艺术、服装艺术、摄影艺术都是传统的视觉艺术。影视艺术、动漫艺术、环境艺术，这三个视觉艺术的存在时间不是很长，但是却起到了很大的作用，影视艺术和动漫艺术属于综合艺术，既属于视觉艺术又属于听觉艺术。环境艺术是一个新兴学科，它在环境的规划方面起到很大的作用，对人类的生活起到很大的帮助，使城市的规划更加人性化。所以环境艺术是很好的视觉艺术形式！
视觉艺术的学习还包含对视觉文化的学习，分析和研究视觉世界中观念性的因素。以颜色为 例，学习颜色不仅包括使用颜色的各种技术使用手段，还应包括更广阔和更深入复杂的问题，要求理解各种颜色的象征意义，各种颜色引起的情感反应，全面认识在不同历史阶段和不同 文化中，颜色使用方面的各种微妙问题。
基本资料
视觉艺术
从人类文化的开始到今天，人类通过自身创造的视觉形象来传达信息，一
直是人与人之间相互交流的基本手段。这些视觉形象在今天被我们称之为“视觉艺术”。它们对人类历史文化的传承和人们的精神生活都有着深远的影响。
视觉艺术作为一种传达信息的“语言”，与我们平常使用的口头语言和书面文字一样有其自身的结构与规则。如果我们想通过自己的眼睛去理解和领会视觉艺术所传达的信息与意味，必须在一定程度上能够认识和感受视觉形象语言。就象我们打算通过英语来阅读和写作，必须懂得英语的词汇和语法关系一样。我们有理由相信：一个对视觉艺术语言具有专门知识的人与一个对这种语言一点也不了解的人，在观看同一件作品时，其观看的结果与感受会完全不同。正如著名的心理学家鲁道夫。阿恩海姆在其《视觉思维》中所谈到的：“一个有经验的外科医生、机械师和生理学家，在观看一种伤口、一部机器和显微镜下的标本时，会看到一个新手从中看不到的东西。”一句话，知识可以改变我们所看到的东西。我们这门课程即是希望通过向学生提供全面而系统的有关视觉艺术语言方面的知识，以帮助学生提高理解和感受视觉艺术语言的能力，真正通过自己的眼睛去欣赏视觉艺术。
概念定义
视觉艺术
一位瑞士语言学家首先提出视觉艺术是一种运用不同符号的形象
语言，这种提法得到了广泛的认同。而作为对话过程中的一种基本语言。视觉艺术作品的不同形式背后都具有其自己的内涵。比如作为法国人民的礼物为一直竖立在美国纽约港口的自由女神朔像有着全世界人民共同理解基础上的内涵。不过今天的美国移民法与相关司法实践，九一一以来的一些其它政府行为都使得这种原有的内涵发生了具有讽刺性的意义。中国圆明园遗址上那个残存下来的石柱形象在中国当代人中具有其自己的内涵，或许是外国人所不了解的。
视觉艺术是一种语言，在最初也是一种宣传载体：西方的视觉艺术在宗教宣传中被长期作为重要手段，也作为少数权贵及其生活方式的记录工具。因此当时的西方视觉艺术除了宗教宣传以外是将广大人民拒之门外的。
字画作为中国的传统视觉艺术一直是当时社会精英群组中精神对话的共同语言，而浮雕/圆雕和壁画也曾被用来作为宣传佛教的载体。
在推行国家社会主义和优等人种论的第三帝国，绘画和雕塑被广泛地用来有效地宣传这种主张和理念；在推行苏维艾社会主义的苏联，绘画和雕塑曾经同样在社会主义现实主义的标签下被用来作为宣传社会主义理念的载体/工具。
既然视觉艺术是社会对话的一种形象语言，那么对话的双方对同样的形象符号所代表的社会内涵必须具有基本相同或相似的认识或一定程度上的基本认同。在传统视觉艺术形式下通常艺术家运用娴熟的技巧复制大自然中被广泛认同为美的人或物。而这种基于载体的复制技巧在没有摄影技术的年代则显得格外难能可贵。
视觉语言是由视觉基本元素和设计原则两部分构成的一套传达意义的规范或符号系统。其中，基本元素包括：线条、形状、明暗、色彩、质感、空间。它们是构成一件作品的基础。相当于建一栋房屋所需要的砖、瓦、水泥、钢材等等。也类似于文字语言中的字和单词。设计原则包括：布局、对比、节奏、平衡、统一。它们是艺术家用来组织和运用基本元素传达意的原则和方法。
艺术家根据各种各样的需要，选择相应的材料和表现形式（雕塑或是绘画、具象或是抽象等等），运用一定的原则和方法，在一定的范围内控制各种元素之间的关系，最后形成能够传达特定信息的图像。
史前视觉艺术
史前艺术（prehistoricart）：指在有文字可考历史前的艺术。如西班牙的阿尔塔米拉岩洞壁画及法国南部拉斯卡的岩洞壁画。
古代埃及美术
视觉艺术―古埃及美术
古代埃及美术 埃及进入奴隶制社会后，国王（即法老王）就是奴隶主阶级至高无上的首领，同时也是太阳神和尼罗河神的化身。他们活着的时候是人间的王，死了以后仍是阴间的统治者。埃及人的宗教观念是相信人死后灵魂只是离开躯体飘泊于宇宙间，如果回归肉体人可以复活。因此埃及人就把尸体做成“木乃伊”妥为保存，并十分重视棺材制作和陵墓建造，以祈求复活。所以埃及人十分重视保护法老王和大奴隶主的尸体，不惜代价地建造陵墓。这就是举世闻名的埃及金字塔的由来。由于担心尸体腐烂就不能复活，他们就想到用石头雕刻国王、王妃的像保存下来。国王在阴间称王称霸，也要享受在人间时的一切欢乐，于是又想到把人间的事都画在墓壁上以供享受。这样就发生、发展了埃及的雕刻、绘画艺术。古代埃及美术具有平面性、装饰性和高度程式化的特点。
古代希腊美术
古代希腊美术：真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。希腊美术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴美术的延续。雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想像欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。可是除了居住在希腊半岛上的公民自认为希腊人外，很少有人像雪莱那样以哲理的想像认为自己是希腊人。那么究竟谁是希腊人呢?
历史表明，克里特的征服者、特洛伊城的毁灭者――迈锡尼人，是希腊最早的居民之一。后来沦为北方蛮族的奴隶，并逐渐分流为多立克人和爱奥尼亚人，他们都有共同的信仰和语言，所以称他们为希腊人。
“希腊”一词意为典雅、优美。后来创造出许多雕刻艺术杰作的希腊人正与这典雅、优美之名相称，可谓名副其实。希腊三面临海，北面连接欧洲大陆。境内多天然良港，可以经过地中海通向世界各地，为航海和对外贸易提供了极为有利的自然环境，内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻艺术提供了极方便的物质材料。
到了公元前12世纪，爱琴海文明受到北方蛮族入侵的严重破坏。但不屈的希腊人在这块曾经有过丰厚文明的废墟上重新建立了灿烂的希腊文明，成为欧洲文明的真正始祖。进入奴隶社会的希腊半岛，建立了200多个奴隶制城邦国家，每一城邦以城市为中心连同城郊农村组成大小不等的国家，各自为政。其中最强大的是雅典和斯巴达。由于国穷民贫，为了生存和发展，各城邦国家之间不断发生战争，弱肉强食，为了保存自己，掠夺财富，城邦国家实行强国强兵政策，在城邦内部实行民主政治，自由民直接参与城邦治理，十分重视民族体格素质的锻炼，所以管理国家、锻炼身体是每个公民的神圣职责。希腊本土气候宜人，阳光充足，温度适中，在这样的自然条件下适宜于户外裸体锻炼和比赛。由于裸体运动，改变了人们的观念，不以露体为耻，反以健美身体为光荣，这引起美学家们的关注和艺术家的表现，美学家们发现人体美，艺术家们创造美的人体。大政治家伯里克利斯说：“我们是爱美的人。”希腊民族是爱美、创造美的民族。希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，把人提高到神的高度加以肯定，神和人是同形同性，希腊人把强健的身体看成是一切善与美的本原，而把希腊神话视为艺术的精神本源，正如马克斯所指出的：“希腊神话不仅是希腊艺术的宝库，而且是它的土壤”。所以希腊艺术主要成就表现在神与人合一的雕刻和神庙建筑。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。它的主要标志是人体美，希腊人为人类贡献了高不可及的艺术典范之作。
古罗马美术
古罗马美术：罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，它们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。马其顿希腊建立了地跨欧亚非三洲的希腊大帝国时，在意大利半岛台伯河流域又兴起了一个国家，它历经600年左右的发展终于成为强大的帝国，这就是罗马大帝国。它于公元前146年征服了希腊本土，公元前30年击败埃及的托勒密王朝，自此，原来为希腊所统治的广大地区，包括希腊本土，全部归入了罗马帝国的版图。罗马成为希腊之后的西方政治、文化的中心。
罗马本身的艺术并不发达，当罗马人征服了许多文化艺术繁荣的国家，将那里的大量艺术品，尤其是雕塑和绘画当作战利品劫运到罗马，同时还把许多受过良好教育的艺术家、工艺师、工匠等当奴隶和人质集中到罗马，这就为繁荣罗马文化提供了优越的条件。据说当时罗马城人口只有6万，而劫得的希腊雕刻艺术品却有几十万之多。正如古罗马著名诗人贺拉斯所言：“被俘的希腊反使蛮族主人成为俘虏，她把艺术带给了粗野不文明的拉丁姆。”
罗马和希腊都是奴隶制国家，又都是半岛国家，但罗马人主要依靠农业为生，在同自然的斗争中培养了对客观事物冷静思考和求实精神，所以务实是罗马人的风格，不同于“外向型扩张”的希腊人的浪漫主义气质。这就决定了罗马人的艺术观是求实、写实，缺乏幻想和想像力。罗马人也有神话，但却是沿用希腊的，只不过改个罗马名而已，如对美与爱之神，希腊人称阿芙罗狄德，罗马人称维纳斯。
罗马人信仰多神教，相信祖先的灵魂常降临家庭享受祭祀，并保佑家庭成员。有地位的贵族家庭中总设置房间保存祖先的遗容。这遗容是从死者面部翻制的蜡模面具，或是根据面具制作的雕像。这种保存祖先遗像的风俗是古罗马盛行肖像雕塑的社会原因。
罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。古罗马最早的青铜肖像就是运用希腊人和埃特鲁里亚人所创造的青铜翻制技术，根据面具翻铸成青铜肖像的。这种肖像酷似真人，没有艺术的创造性，不过它却奠定了罗马肖像特别注重人物面部细节刻画的特点。罗马肖像的精神气质主要通过头部表现，希腊人则通过身体姿态动作来传达，所以罗马雕像如果缺了头部，余下的部分就没什么意义了，而希腊雕像的生命充满身体各个部分，即使只剩下断臂残躯，仍然能给人以特有的生命力和美感。
古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。
中世纪美术
视觉艺术―中世纪美术
中世纪美术：中世纪是专指欧洲封建社会，一般从公元476年西罗马帝国灭亡到1640年的英国资产阶级革命止。但在艺术史上通常指公元5世纪到15世纪，恩格斯说过意大利诗
人但丁是中世纪最后一位诗人。
作为欧洲封建社会的重要特征，就是政权和基督教合一的统治，基督教成了封建统治的有力支柱和人们精神生活的唯一寄托。
基督教产生于公元1世纪古罗马帝国统治下的犹太人巴勒斯坦地区。由于奴隶主对广大奴隶阶级残酷的统治，广大人民过着极为悲惨的生活，在愤怒与绝望中转而把希望寄托于来世，寄托于救世主，因此人为地创造了一个上帝。传说中的救世主耶稣基督诞生了。
基督教的教义是由耶稣及其门徒在巴勒斯坦创建的。那么上帝在人间的化身耶稣是什么样的人?据《圣经》上说：童贞女玛丽亚受圣灵而孕生在犹太伯利恒的一个木匠约瑟的家里，从30岁起开始宣传上帝的“福音”，并收了12个门徒，他们都是牧人、渔民和孤苦无靠的穷人。追随耶稣到处布道，宣扬基督降临人间是拯救人类建立幸福的“天国”；宣扬上帝最后是要审判和惩罚恶人，奖赏善人的。基督教一经产生就具有强烈的反对罗马帝国统治的倾向，因此他们受到严酷的镇压，直到公元4世纪罗马皇帝狄奥多西一世宣布基督教为国教，从此它就登上了统治者的宝座，成为封建社会的精神支柱。
自基督教被宣布为国教以后并与政权合二为一，享有至高无上的权力，教皇被认为是上帝的代理人，国王只是教皇的奴仆，而政权也就成为教权的奴仆。这个社会现实必然决定这个历史时期的文化艺术发展方向。教会和封建统治者利用艺术为他统治的精神工具。麻痹人民毒害民众，充当了宣传教义形象手段，所以历史上把充满教会思想和内容的中世纪美术称作“基督教美术”。
基督教美术主要功能在于塑造礼拜像，利用偶像来引导他们的信仰，成为宣传教义的“石头圣经”。基督教美术还作为装饰美的表现，它不仅是为了满足视觉的审美，更重要的是为了显示出教堂内部空间的神秘化，使信徒们宛如身临一种超现实的天国之中。实际上基督教美术只是宗教教义的图解，所以面对文盲的广大信徒必须是简洁明快，一目了然，产生精神的感染，这就形成了中世纪美术的独特风格，成为超现实的精神形象符号，充满非自然的神性而无人性。
视觉艺术_视觉艺术 -文艺复兴
欧洲文艺复兴运动：欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利，如恩格斯所说：中世纪的终结和现今资本主义时代的开端是由意大利诗人但丁（1265-1321年）为表征的，他是中世纪最后一位诗人，同时又是新时代最初一位诗人。
意大利位于地中海区域中央、中古时期世界上最大贸易地区的心脏位置。佛罗伦萨、米兰和威尼斯都是当时水陆交通枢纽和贸易的集散地，在那里最早出现工商业、萌芽资本主义，所以也是文艺复兴运动的发祥地。
视觉艺术―文艺复兴作品
所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。人们打着“回到希腊去”的旗号。实际上新
兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外衣，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。意大利作为古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者。
视觉艺术―文艺复兴作品
意大利文艺复兴运动首先在佛罗伦萨发生发展，尔后扩展到其他地区，形成一些既有佛罗伦萨艺术成就又有地方特色的画派。除强大的佛罗伦萨画派以外，达・芬奇到米兰为米兰大公服务，形成米兰画派；勃拉曼特，米开朗基罗和拉斐尔到罗马为教皇服务，形成具有纪念碑气势，象征宏大、有力为其特点的罗马画派。到16世纪，禁锢森严的威尼斯在佛罗伦萨辉煌之后，捷足而登上文艺复兴艺术的巅峰的最后一位大师，公认是丁托雷托。
意大利文艺复兴可分为初期、盛期和晚期。初期以佛罗伦萨为中心，自乔托始到波提切利止；盛期主要以达・芬奇，米开朗基罗和拉斐尔的艺术成就为标志；晚期则以提香为代表的威尼斯画派着称。
佛罗伦萨之所以成为意大利文艺复兴的发祥地首先在于它的地理自然条件，它位于阿诺河层，是水陆交通要道，手工业和商业贸易发达；有深厚的古罗马、中世纪文明基础；社会各阶段对艺术的需求，尤其是以美第奇家族为代表的统治者提倡和保护艺术创造，这些因素促进了艺术的繁荣和发展。佛罗伦萨作为文艺复兴初期的代表，它在艺术观念、艺术题材和艺术表现形成了自己鲜明的个性特征：艺术的内容仍以传统基督教的《圣经》故事为题材，但自乔托开始，画家们努力探索如何将世俗现实生活注入神的形象创造中，把神从神坛上拉到人间变成凡人，使自己塑造的宗教人物成为有血有肉有思想感情的人。因此他们引进科学成就，将解剖学、透视学和光学原理运用到艺术创造中，塑造真实的人物和真实的空间关系；艺术语言重明暗素描造型，构图追求对称、均衡和谐。
达・芬奇、米开朗基罗和拉斐尔主宰画坛，标志着文艺复兴盛期到来，他们的艺术创作不仅直接描绘现实生活中的真实人物，而且借宗教神话故事寄托自己的社会理想、美学理想和思想感情。他们在佛罗伦萨、米兰和罗马显示出巨人般的艺术建树，用他们的智慧和力量树立起绘画和雕刻的纪念碑。
位于亚德里亚海滨，背靠意大利半岛、面向东方的威尼斯，是个完全不同于佛罗伦萨和罗马的意大利海上都市，它是商业和贸易的中心，是资产者云集的场所，它是为世人建立的人间享乐的天堂，威尼斯人宣称自己的故乡是“世界的珍宝箱”。16世纪的威尼斯什么都有，唯独没有上帝的管束。在这个奢华淫糜、灿烂辉煌的都市里，占有支配地位的并不是科学和知识而是美，尤其是绘画艺术，因为它不仅能创造美，而且能使现实的美和理想的美借画中形象得以永存人间。尽管画家们没有社会地位，但往往都能成为教皇、国王和贵族资产者的座上贵客。在这个城市里产生了可与佛罗伦萨并驾齐驱的大画家乔尔乔内、提香以及他们的弟子委罗内塞、丁托雷托等。
由于威尼斯是海上贸易商业中心，是景色秀丽的水乡都市，因而在这里产生的艺术无论内容或形式，都与佛罗伦萨有着天壤之别。
佛罗伦萨的美术，倾向于宗教《圣经》题材，而威尼斯则更多的是描绘古希腊神话故事。纵情于欢乐与享受，题材以爱情、酒宴、裸体女神为多；画面形象充满激情而富有想象，洋溢着活泼、明朗、欢乐的气氛，很少有悲哀和伤感。女神们具有丰腴的肌肤，金色的秀发，华丽的服饰，完全是威尼斯上流社会的娇艳女子，放射出人性的光芒。画家们为迎合王公、贵族的享乐需要，不仅描绘美丽裸女，还配以美丽的自然风光。为了充分展现这种美，画家十分重视色彩的创造，他们极善于从自然中发现和表现无限丰富艳丽的色彩变化。如果说佛罗伦萨的画家们重素描和尊从构图的对称、均衡与和谐，那么威尼斯的画家们则竭立追求色彩和激情传达，它奠定了欧洲近代油画发展的基础。
样式主义
视觉艺术―样式主义
样式主义：样式主义亦称矫饰主义或风格主义，它是指意大利文艺复兴盛期艺
术向巴洛克艺术转变的一个过度时期的特殊艺术现象，它既不同于文艺复兴时期那种崇高和谐，也区别于后来的巴洛克艺术，史家们称这个时期的艺术风格为“矫饰主义”或“样式主义”。艺术家有意识地追求某种较为极端的形式，热衷于用复杂的形象和动作来表达内心的骚动不安和压抑的情感。
样式主义美术的主要特征是：在表现题材中有相当部分是裸体人物，具有古怪和扭曲的体态和发达而夸张的肌肉，作品的思想内容比较隐晦朦胧，人们难以认识；画中情节往往不在视觉中心显现，被隐约在次要地位。
巴洛克艺术
视觉艺术―洛可可
巴洛克艺术：所谓“巴洛克”，意大利语义为奇形怪状矫揉造作；葡萄牙语义为形状不规则的珍珠。它是一个贬义词，人们借用巴洛克这个词来嘲弄具有这种风格的艺术。它于产生于17世纪意大利，尔后影响欧洲天主教盛行的国家，因为它的社会支柱是宗教，可以随宗教的
传播扩散到宗教所及地区。巴洛克艺术的主要特征有这么几方面：由于它服务于教会上层和贵族，为了宣扬宗教和满足享乐的欲望，不惜重金建造豪华宫殿、住宅和大量装饰绘画、雕刻，使其显得壮观和华丽。文艺复兴的美术强调理性的宁静与和谐；而巴洛克艺术则强调非理性的无穷幻想与幻觉，极力打破和谐与平静，在雕刻和绘画中都充满了紧张的戏剧气氛。建筑则体现出丰富多变的构造，饱含激情和强烈的运动感是巴洛克艺术的主要特征。作品中反映出作家内心各种复杂的思想情感，不仅外部形态激动人心，内容也使人骚动不安，形象的运动感是巴洛克艺术的灵魂，它的内容充满激情，而形式又充满激烈的运动感。巴洛克式艺术品给人感觉总在不停地运动着，有着强烈而复杂的节奏旋律，强烈的明暗对比造成动感和不稳定感。在建筑上大量使用曲线和椭圆形。巴洛克艺术很重视空间关系处理，表现出艺术形象的空间立体，绘画依靠光造型，追求空间深度感，建筑和雕刻强调层次和深度，尽量打破平面。巴洛克艺术还强调综合艺术处理，这种综合在总体上有建筑、雕塑和绘画的综合，也有绘画与雕刻的互相综合、造型和环境的综合，也包含自身各部分的综合。因为巴洛克艺术受宗教支持庇护，所以不可避免地充满浓厚的宗教色彩。
巴洛克艺术在不同国家、不同社会背景下的艺术风格各不相同：在天主教势力占统治地位的意大利和佛兰德斯，受到宗教势力支配的罗马巴洛克风格占主要地位；在君主专制、王权至上的法国，古典主义风格为主流；而在资本主义比较发达的荷兰和英国则流行现实主义的市民艺术。
洛可可
视觉艺术
洛可可（rococo）：18世纪尤其是在法国路易15统治时期的一种艺术和室内装饰风格。洛可可风格是在意大利巴洛克盛期精致的曲线的基础上加以改进的结果，
形式更为纤细小巧，色彩鲜明。洛可可风格是对路易14时代的庄重、豪华的古典主义艺术风格的一种反叛。致力于表现颇为琐细的宫廷生活的轻快、亲密的场景，有时也表现田园风光。以妩媚和矫揉造作为特征。主要代表人物有华托、布歇和弗拉戈。
视觉艺术―洛可可
学院主义
学院主义（academicism）：与学院派标准及原则一致。此词还用来表示反传统作品中的某种受学院派影响的成分。
学院派绘画
学院派绘画：一般意义泛指通过学院严格训练、师生相传、层层因袭而具有一种保守性质的绘画。作为美术史上的学院派，起源于十六世纪的意大利，而后流行于欧洲，盛及到十八、十九世纪的各个美术学院。最早的美术学院的开创是意大利的卡拉奇兄弟，那是建立于1590年的波仑亚学院，他的功绩在于结束了古老的行会师徒传艺的、手工作坊式的教育，而使整个美术教育向前大大提高了一步。其后的美术学院强调要继承文艺复兴时的古典艺术，追求形式的完美和内容的典雅。重要的代表画家有卡拉奇、列尼、勒・布朗、布格罗、大卫、安格尔等等。
浪漫主义
浪漫主义（romanticism）：一种强调个性、情感、戏剧性的艺术风格，通常是用异国的、文学的或历史上久远的题材表现出来。浪漫主义运动崛起于19世纪，作为对严肃的新古典主义（neoclassicism）的反叛，也是这一时代特征的革命精神的体现。绘画方面的代表人物有法国的德拉克洛瓦和热里柯、英国的特纳。在雕塑领域有吕德和巴雅。艺术史家用古典主义和浪漫主义这两个词一般表示艺术和建筑中两个基本的、对立的态度。
现实主义
现实主义：法国画坛经历了古典主义到浪漫主义的发展，浪漫主义逐渐地脱离了当时的社会现实。在这样的背景下，一部分具有进步思想的艺术家认为艺术应以实际生活为基础，提出了“为生活为民众而艺术”的口号，产生了现实主义艺术思潮。现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家的青睐。
我们这里所说的现实主义是法国艺术发展进程中一种独特的艺术现象，专指19世纪产生的艺术思潮，当时人们称之为“写实主义”，这个流派无疑是使用现实主义艺术创作方法的。它的哲学观是求真求实，导致它的美学观是以真为美、以实为美，它是写实主义的主要特征。法国社会中的阶级对立和斗争，反映到画坛上就成为古典主义与浪漫主义的争论，一部分画家对此种种不屑一顾，悄悄地进入巴黎郊区枫丹白露森林附近的巴比松村，他们都无限热爱大自然，主张到大自然中去直接描绘丰富多彩的风景，他们把描绘自然的丰富奇伟、优美秀丽和内在生命作为终生追求。他们从不把自己的艺术信仰强加于他人，因为都居住在巴比松村，共同描绘大自然，所以这群画家被称之为“巴比松画派”，主要代表是科罗、卢梭、和特罗容等。
印象主义
印象主义：十九世纪下半叶法国兴起的一个画派。这一名称是由1874年该派作者举行画展时，批评家对莫奈所作《日出印象》一画出以嘲笑而来。该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围气的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。代表画家有莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿等。
后期印象主义
后期印象主义：广义指继承印象画派，并加以变革的各个不同流派。狭义指塞尚、凡・高、高更等人的创作方法。他们接受印象派的用色方法加以革新，不满足于印象派对自然的客观描绘，而强调主观感受的再创造，一般不表现光，而注重色彩的对比关系、体积感及装饰性等。对后来的野兽派及表现派有很大影响。
象征主义
【象征主义】自1885年起一种以象征主义为名，对理想主义倾向的逆反在文学和造型艺术领域同时发展起来，画家和作家不再致力于忠实地表现外部世界，而是要通过象征的、隐喻的和装饰性的画面来表现虚幻的梦想以启示于人。象征主义的代表画家主要是莫罗、夏凡纳和雷东。象征派画家们并未创造一种新的形式流派，他们关心的只是诗意的表达、玄理的揭示。象征主义绘画是一种以感情为基础对新内容的探索，不是以理智或客观的观察为基础，而是超越外表的直觉的内在力量和想像。
纳比派
纳比派：世人公认塞尚、凡・高和高更是开创20世纪现代艺术的祖师，在他们活着或死后都影响有限。把他们的思想继承光大，传播给20世纪前卫派画家的是一个小小的艺术家派别――纳比派。
1888年夏天，24岁的塞吕西耶在法国西北部布列塔尼的阿旺桥与在那里作画的高更相遇，高更那时刚画完《雅各与天使在搏斗》一画，那主观的、带有神秘意味的象征性色彩征服了这位年轻画家。他后来又随高更到一个称为“爱之林”的森林写生，高更指出色彩的奥秘：“树木应当是什么颜色?你看到多多少少的红色吗?很好，在画面的那个地方放上真正的红色。――那么影子呢?假如在那儿有一点蓝色就好了。那么你把调色板上最漂亮的蓝颜色放到那儿去！”塞吕西耶边听边随手在一个烟盒上按高更的指点画了一幅小风景画，他拿着这张画回到正在学习的巴黎朱利安学院，围观的同学有博纳尔、维亚尔、兰森、瓦洛通等。他们一下子成了高更主义者并把塞吕西耶这幅小画称“护符”，而把自己有幸得到这“福音”的一伙人称着“纳比”即希伯来语中的“先知”。这就是纳比派的由来。
纳比派接受了高更的艺术影响而从事新的探索发展：即高更的综合理论导致了象征主义的庄严、简化和变形的装饰风格，也就是说，把自然移植到了智慧与想像的领域之中。所谓变形有两种类型：依据一种纯美学和装饰味的设想以及一些着色与构图技术原则进行的客观变形；使画家本人的感受进入绘画表现之中的主观变形。
纳比派从塞吕西耶的“护符”开始，到以德尼的《向塞尚致敬》宣告结束。这说明纳比派自身的价值仅在于阐明了塞尚和高更的视觉方式。这是一种更强调自我的心灵观照的观察方法。
尔后纳比派分裂为分离派、综合派、新传统派。
野兽主义
野兽主义：20世纪初西方现代艺术开始形成，最初的前卫美术运动是“野兽主义”。“野兽”一词在这里是用来形容他们的绘画作品中那令人惊愕的颜色，扭曲的形态，明显地与自然界的形状全然相悖。
视觉艺术―野兽主义
在法国1905年的秋季沙龙展览会展出了以马蒂斯为首的九名青年画
家的作品，由于画风令人惊愕，以致舆论哗然。评论家路易・沃克赛勒看到在一片色彩狂野的绘画作品中间有一件马尔古所作的模仿意大利文艺复兴初期雕塑家多那泰罗风格的作品，便随口说了一句：“多那泰罗置身于一群野兽的包围之中。”从此，这个画家群体就被称为“野兽主义者”。
视觉艺术―野兽主义
以马蒂斯为首的这群青年画家不满足于象征主义的神秘色彩，主张色彩的彻底纯化，以便更加清晰地表现画家的感情。表现感情是野兽主义画家的宗旨。
野兽主义画家弗里茨给野兽主义下的定义是：“通过颜色的交响技巧，达到日光的同样效果。狂热的移写（出发点是受到大自然的感动）在火热的追求中建立起真理的理论。”
野兽主义的主要原则是通过颜色起到光的作用达到空间经营的效果，全部采用既无造型，也无幻觉明暗的平涂，手段要净化和简化，运用构图，在表达与装饰之间，即动人的暗示与内部秩序之间，达到绝对的一致。马蒂斯说过：“构图，就是以装饰方法对画家用以表达自己感情的各种不同素材进行安排的艺术。”
野兽主义画家们广泛利用粗犷的题材，强烈的设色，来颂扬气质上的激烈表情，依靠结构上的原则，不顾体积、对象和明暗，用纯单色来代替透视。马蒂斯的老师莫罗曾对他说过：“你必须使绘画单纯化。”所以作为野兽主义始终的代表马蒂斯顽强地使色彩恢复它本来具备的力量，单纯和表现的意义。
野兽主义自1905年发端到1908年已趋消沉，尔后由立体主义所取代。
立体主义
立体主义（cubism）：特指毕加索和勃拉克在1907―1912年间创造的绘画风格，它从多个视角观看物体，创造出物体的三维效果，同时又保持了画面的平面特征。它是一种半抽象的风格，标志着抽象艺术的开始，延续了主要由塞尚在1880年代后期开创的从再现艺术中分离出来的趋势。成为未来几十年许多画家灵感的来源和与传统分离的标志。
表现主义
表现主义（expressionism）一种绘画原则，以强调强烈情感表现代替对传统的写实主义和比例规范的遵循，从而导致线条、形状、颜色的变形。印象派的凡高和野兽派等画家成为表现主义的先驱。
未来主义
视觉艺术―未来主义
未来主义：1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上发表《未来主义的创立和宣言》。宣言一方面讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观
念完全改变，“宏伟的世界获得了一种新的美――速度美”，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争；另一方面诅咒一切旧的传统文化，扫荡从古罗马以来的一切文化遗产，主张摧毁一切博物馆、图书馆和学院。他们高喊：“干起来吧！点燃图书馆的书架！把河水引来淹掉一切博物馆画廊，啊！看着那些自命不凡的古画被撕破了，褪色了，在水面上随波逐流地飘浮是多么地开心！举起斧头铁锤毫不手软地捣毁那些被人奉若神明的城堡吧！”
1910年3月8日画家波丘尼、卡拉、巴拉等也响应地发表了《未来主义画家宣言》，4月初又发表了《未来主义绘画技巧宣言》宣言表明，他们的绘画技巧，从本质上说仍然来源于立体主义。他们在立体主义多视点的基础上加上了表现速度和时间的因素。
视觉艺术―未来主义
雕塑方面的未来主义是由波丘尼实行的，他于1912年4月11日发表《未来主义雕塑宣言》，宣布“绝对而彻底地抛弃外轮廓线和封闭式的雕塑，让我们扯开人体并且把它周围的环境也包括到里面来”。
1914年7月11日由圣特利亚发表《未来主义建筑宣言》，主张用机械的结构与新材料来代替传统的建筑材料，而城市的规划则以人口集中与快速交通相辅相成，建立一种包括地下铁路、滑动的人行道和立体交叉的道路网的“未来城市”计划。并用钢铁、玻璃和布料来代替砖、石和木材来取得最理想的光线和空间。
还有《未来主义服饰宣言》号召人们废除色彩暗淡、线条呆板，的服饰，代之以色彩鲜明，线条富有运动感的新服饰。
这个流派到1918年大战结束，实际上也结束了。
抽象艺术
抽象艺术（abstractart）对真实物体的描绘已被视为次要，或彻底抛弃描绘真实物体的任何一种艺术，它的美学内涵通过形、线、色所构成的形式结构表现出来。有时，主题是真实的，但为了不被认知，使它变得非常风格化、模糊、重复或打破其基本型。艺术品及装饰品中出现的抽象要素或倾向贯穿于整个美术史，是从新石器时代的石刻开始的。但作为一种美学原理的抽象观念则是20世纪初随毕加索和勃拉克立体派的发展而开始的。
抽象表现主义
抽象表现主义（abstractexpressionism）二次大战后，欧洲人涌进了美国，这就促进了美国现代艺术的发展。纽约的艺术学生联盟中的青年艺术家们结成一个团体，冠以“抽象表现主义”，公开举办展览，掀起了纽约的抽象表现主义运动，影响很大。如同19世纪末的巴黎，纽约已成为现代艺术中心，它们直接受到欧洲前卫艺术家的影响。为美国现代艺术作出贡献的有两位德国籍的画家，汉斯・霍夫曼和约瑟夫・阿伯斯。
波普艺术
波普艺术（popart）：一种主要源于商业美术形式的艺术风格（亦称新写实主义和新达达），其特点是把大众文化物品，如连环漫画、流行的食品及印有商标的包装进行特大复制。于本世纪50年代后期在纽约发展起来。60年代中期，波普艺术代替了抽象表现主义而成为美国占统治地位的前卫艺术。主要发起人是贾斯珀・约翰斯，罗伯特・劳申伯格、安迪・沃霍尔、拉里・里弗斯、克莱・奥顿伯格、利西滕斯坦、乔治・西格尔和罗伯特・印第安纳等人。
超现实主义
超现实主义（Surrealism）：受弗洛伊德精神分析学影响的一种艺术表现的风格，强调荒诞，它最初是一个文学运动，及达达主义的副产品。超现实主义是由一个在1924年发表的文学宣言所确立的。
视觉艺术
达达主义
达达主义（Dada）：第一次世界大战期间开始于苏黎世的一场艺术运动。其名称是1916年从字典中信手拈来，随后在欧美广泛流传。该运动的奠基人为艺术家汉斯・阿尔普和作曲家特里斯坦・扎拉，雨果・鲍尔，以及理查德・赫森培克。他们的信条“一切为艺术家所唾弃的便是艺术”以及他们非同寻常的涂鸦和自动主义的写作等创作方法，引起了社会许多的争议和义愤。达达主义的实践者们同时认为，艺术的精品产生于现成物、现成艺术品、拼贴画和其他历史上不被接受的素材及技法。其重要艺术家有：马塞尔・杜尚、马克斯・恩斯特、汉斯・阿尔普、弗朗西斯・皮卡比亚、曼・雷和库尔特・施维斯特。杰出的达达主义的作品包括杜尚的《泉》，用一只陶瓷小便器来阐明达达主义的观点，其目的在于将寻常事物从其平凡的情景中升华；其制作的长胡子的蒙娜丽沙的相片，典型地反映了达达主义者以反偶像崇拜的态度对待传统。
超级现实主义
超级现实主义：超级现实主义是20世纪60年代后期在美国兴起的一种新的艺术流派，这个流派的艺术家反对抽象艺术的潜意识情感和在造型中不表现具体物象的作法，他们认为应该排除画家的主观意念，做到纯客观地、真实地，甚至像摄影那样的再现物象，所以又称之为“照相写实主义”。
超级现实主义画家们常常取材于城市风光和农村景色，也有人专门从事肖像画创作。克洛斯就画过一些超级现实主义的肖像作品，他描绘的对象所强调的不是人物的内在精神，而是外形的酷似。这类作品很大，不仅直接借助于照片的临摹，而且常常把照片底片用幻灯机投射在画布上，仔细地描绘好轮廓和每个局部，再上颜色，作品极为逼真细腻，连一根汗毛都画出来，有人说：“站在他的画前面可以感觉到画中人物的皮肤在呼吸、出汗，甚至可以看到他们在闪现出痛苦、疲倦和恐怖的生理条件。画面呈现出冰冷的、大都没有浪漫主义的高昂气质。他所画的既不是人，又不是非人，而是一种还原到中性的、仅具有生物学机能的人这样一种生物。”
超级现实主义的艺术“不过是这个充满了物质世界中的一种物质而已”，美国评论家卡纳德曾说过：“不论波普艺术和超级现实主义有什么缺陷，作为反抽象主义的运动，它们显示的是与那些垂死了的艺术迥然不同写实主义，它们具有20世纪的一种潜在的趋势，即继续自古以来最富有的表现力，最能为艺术家们所利用的形式”。
