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原文地址:看简谱学唱歌作者:繁华终落幕

一、学习简谱

不少人在媒体上发现了动听的歌曲总想学会它。学唱歌,可以请会唱的人教你,也可以把播放的歌曲录下来学唱,还可以找到有关的歌谱自学。新华书店的书架上有很多种歌曲书籍,如果你能认识简谱,那学歌是件很方便的事。
唱歌,就是将歌词中的每个字按照规定的音高和音长唱出来。唱好歌的基本要求就是唱准歌词中的每个字的音高和音长。记录音高和音长的符号(歌谱)有好几种。简谱就是其中的一种。由于它简单明了、通俗易懂,在记谱、读谱上有很大的方便,因此在我国广泛流传。简谱仅用7个阿拉伯数字(1234567)和其它一些符号,就能将万千变化的音乐曲子记录下来,并能使人易学易记。
怎样学习简谱呢?
第一,应明白音高是怎样表示的,并熟练地掌握它。
在简谱体系中,音的相对高度是用七个阿拉伯数字来表示的,但不能按数字读,而应按下面对应的拼音读(唱)。
标记:1234567 i
唱法: do rimi fa solla si do
这八个高低不同的音,其相邻音之间的音高距离,有半音和全音之分,其中3与4 和 7与i之间为半音关系,其余相邻音之间为全音关系。从1到i,每相邻两个音中,后面的比前面的高。例如2比1高,3比2高,4比3高,……,i比7高。
不要以为你会按拼音读出1234567i这八个音你就会唱这八个音了。“会唱”的标准是你在发这八个音时,每相邻两个音之间的音高距离保持正确。记得我上初一时,每堂音乐课开头,老师都要弹着风琴,让我们反复练唱
1 2 3 4 5 6 7 i---
i 7 6 5 4 3 2 1---
这其实就是在让我们熟悉并掌握这八个音的相对音高。然后再依靠乐器反复练习1 3 5 i---, i 5 31---等等。逐步做到能根据一段乐句第一个音的发音,立即准确地发出其它较高或较低的音。我不知道,练准这八个音的音高,除了依靠乐器,还有没有其它更好的办法?
在音符的上面加一小圆点,即表示高八度演唱,如i比1高八度,加两个圆点表示高两个八度;反之,在下面加一个圆点,即表示低八度演唱,加两个圆点表示低两个八度。

在简谱左上角标着的如1=C的记号称为调号。调号是用以确定歌曲、乐曲(或调子)高度的定音记号。1=C的意思是:1(do)的音高等同于乐器键盘中的C音。显然1=D的意思是:1(do)的音高等同于乐器键盘中的D音,等等。

唱好一首歌,起音的高矮非常关键。起音唱高了,歌曲的最高音就可能唱不上去;起音唱矮了,歌曲的最低音就可能唱不下去。防止偏高偏矮的最佳办法是根据调号利用乐器定音高。最简单的方法是先找出歌曲的最高音,并据此定出歌曲开头音符的音高。例如,歌曲《夕阳红》全曲最高音为i,开头音符为5,那就用最高的嗓门先唱i,接着唱7,6,5,这时的5的音高就是这首歌起音的合适的高度。

第二,应明白音长是怎样表示的,并熟练地掌握它。

音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。
在音符后面加几条横线就表示这音符的音长延长几倍,如1---表示1延长三倍,即1---的音长是1的四倍。
如想将一个音符的音长延长一半怎么表示?只要在该音符后加一个附点。如1·的音长是1的1.5倍。
如想将一个音符的音长缩短一半怎么表示?只要在该音符下面加一条横线,例如1的音长是1的音长的一半,2 的音长是2的音长的一半。这就是说下面有一条横线的音符,音长只有原来的二分之一。类似地,下面有两条横线的音符,音长只有原来的四分之一,下面有三条横线的音符,音长只有原来的八分之一,等等。
我们把没有音长延长或缩短标记的音符叫做四分音符,例如1,2,3等都是四分音符。而把象1-,1---这样的音符分别叫做二分音符和全音符;把下面有一条横线的音符1叫做八分音符,下面有两条横线的音符叫做十六分音符等。


第三,应明白简谱是怎样表示休止的。

表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止,可用增加休止符0的个数或在0的右面加附点,或在0的下面加横线,但不在0的后面加横线。

第四,应学会和坚持打拍子。

在歌曲简谱的左上方有一个分数叫做拍号,如2/4读作四二拍子,其分母4表示以四分音符为一拍,分子2表示每小节(即简谱中相邻两竖线间的部分)为两拍。拍号还有4/4,3/4,3/8等等,其表示的意思也是这样。
拍子,是音乐时间的基本单位。当我们用手从某个高度敲下去,再提上来回到原位时就形成一拍子。敲下去是前半拍,提上来是后半拍。在每首具体乐曲里,相邻两个拍子开始之间的时间距离,或者说每拍的时间值都是相等的,但各拍的轻重程度有强有弱,并不相同。当轻重的交替具有某种规律的时候,就构成了节拍。不同的节拍,表示出不同的轻重循环关系。在乐谱中,用小节线划分出轻重拍有规律的循环。例如,四二拍子2/4,每小节的轻重关系是|强弱|强弱|……;4/4,每小节的轻重关系是:|强 弱 次强 弱|强 弱 次强 弱|……
在2/4,4/4,3/4这些拍子中,一个四分音符为一拍。有时两个八分音符合在一起为一拍,如1265等,即两个基本音符下面有一条公共横线。有时四个十六分音符合在一起为一拍,即四个基本音符下面有两条公共横线。在一拍之中,有时只唱一个字,有时要唱两个字或三个字、四个字。学唱时要坚持打拍子,注意哪些字在前半拍唱,哪些字在后半拍唱,做到歌词、歌谱与拍子保持一致。

第五,应明白和掌握附点音符和切分音符的唱法。
前面说过,一个音符的后面加了一个附点· ,这个音符的音长就要延长一半。在四二拍子小节|1 ·2|中,1.是附点四分音符,唱一拍半=第一拍+第二拍的前半拍,2是八分音符唱半拍(第二拍的后半拍),合起来共唱两拍。唱起来的感觉是“前长后短”,即附点前的音长,附点后的音短。试练唱如歌曲《世上只有妈妈好》、《我是一个兵》等,特别注意附点音符的唱法。
在四二拍子小节|1 21|中,两个八分音符中间夹一个四分音符是切分音,5 6i也是切分音。两个十六分音符中间夹一个八分音符也是切分音。很显然,构成切分音的三个音符121的音长分别是半拍、一拍、半拍。唱起来的感觉是“中间长,前后短”。试练唱如歌曲《夕阳红》、《幸福在哪里》等,特别注意切分音符的唱法。

第六,从易到难,坚持练唱,必能学会简谱。
有了前面五点最重要的基本知识以后,可以先选出几首曲谱简单又会唱的歌曲如“友谊地久天长”、“东方红”等进行练习读谱,熟悉什么样的音高和音长符号怎么唱。然后再用边听歌曲边打拍子边唱谱的方法进行练习,这是一种唱准音符的好方法。最后找本介绍乐理的书系统学习更多的简谱知识,并选一些曲谱简单但不会唱的歌曲进行练习。

现在,利用电脑和网络,我们可以十分方便地学简谱、学唱歌了。你可以到搜谱网搜到你想要的歌谱,把它下载到自己的电脑里;再到百度MP3里找到你想要的歌曲,也把它下载到自己的电脑里。于是只要在自己电脑里面同时打开歌曲播放器和歌曲图片,你就可以用边听歌曲边打拍子边唱谱的方法,学简谱、学唱歌了。当然,也可以搞成下面附录的样子,那就更方便了。

附录一:常用简谱记号

附录二:练唱歌曲

二、学看简谱

(一)、简谱怎样表示音的高低
  在记谱法中,用以表示音的高、低、长、短变化的音乐符号称这音符。通过一定的节奏、节拍组织起一些相同或不同高低、长短的音符,即构成了一首具有一定音乐形象的曲调的基本部分。因此,要掌握简谱的规律,首先必须认识各种音符,理解其意义。
  在简谱中,用以表示音的高低及相互关系的基本符号为七个阿拉伯数字,即1、2、3、4、5、6、7,唱作do、re、mi、fa、sol、la、si,称为唱名。
音符:    1  2  3  4  5  6  7
唱名:    do  re   mi  fa   sol  la  si
汉字     多  来 米  发 梭  拉  西 
对照:
  显然,单用以上七个音是无法表现众多的音乐形象的。在实际作品中,还有一些更高或更低的音,如在基本音符上方加记一个"·",表示该音升高一个八度,称为高音;加记两个":",则表示该音升高两个八度,称为倍高音。在基本音符下方加记一个"·",表示该音降低一个八度,称为低音;加记两个":",则表示该音降低两个八度,称为倍低音。
  在一般歌曲中,无论是在基本音符上方或下方加记两个以上的"·"的音符都是很少见的。
  现将高音、中音、低音分组如下:

  在简谱中,不论基本音符是高音还是低音,七个阿拉伯数字所表示的唱名是始终不变的。 在简谱体系中,如果将 1→i或i→ 1之间的音像阶梯一样按高低次序进行排列,称为音阶。顺方向 1→ i,一个音比一个音高;逆方向 i→1,一个音比一个音低。(参见下图)


  音阶的种类很多,以上为最基本的自然大调音阶。在音阶中,相邻两音之间的音高距离不是均等的,其中 3与4、7与 i之间为半音关系,其余各相邻两音之间为全音关系。一个全音等于两个半音。
  在键盘体系中,白键与黑键按固定规律排列,每个键均有固定的名称,用七个英文字母C、D、E、F、G、A、B表示音的名称,称为音名。音名不等同于唱名,唱名没有固定的音高位置,其音随调的改变而移动(参见"怎样认识简谱中的调与调号"),音名是固定不变的。

音名在键盘上的位置如下图:

(二)、简谱怎样表示音的长短
  在简谱中,1、2、3、4、5、6、7这七个基本音符,不仅表示音的高低,而且还是表示时值长短的基本单位,称为四分音符,其他音符均是在四分音符的基础上,用加记短横线"-"和附点"·"表示。
  1.单纯音符
  在简谱中,如果音符时值的长短用短横线" -"表示,就称为单纯音符。单纯音符除四分音符外,有以下两种形式:
  ⑴在基本音符右侧加记一条短横线,表示增长一个四分音符的时值。这类加记在音符右侧、使音符时值增长的短横线,称为增时线。增时线越多,音符的时值越长。
  ⑵在基本音符下方加记一条短横线,表示缩短原音符时值的一半。这类加记在音符下方、使音符时值缩短的短横线,称为减时线。减时线越多,音符的时值越短。
  单纯音符的名称以全音符为标准而定。如:全音符的二分之一称为二分音符,全音符的四分之一称为四分音符,其余类推。
  常见的单纯音符的名称、写法及时值长短列表如下:

  

从上表可以看出,相邻两种音符之间的时值比例为2∶1。现将单纯音符之间的时值比例列表(如下图)

2.附点音符
  在简谱中,加记在单纯音符的右侧的、使音符时值增长的小圆点"·",称为附点。加记附点的音符称为附点音符。
  附点本身并无一定的长短,其长短由前面的单纯音符来决定。附点的意义在于增长原音符时值的一半,常用于四分音符和小于四分音符的各种音符之后。例如

  在简谱中,加记在单纯音符的右侧的.使音符时值增长的小圆点·,称为附点.加记附点的音符称为附点音符。
  附点本身并无一定的长短,其长短由前面的单纯音符来决定。附点的意义在于增长原音符时值的一半,常用于四分音符和小于四分音符的各种音符之后。例如:
  附点四分音符:
  附点八分音符:

附点十六分音符:

  在简谱中,大于四分音符的单纯音符通常不加记附点,而用增时线来表示。例如:  附点二分音符:不用表示

带有两个附点的单纯音符称为复附点音符,第二个附点表示增长第一个附点时值的一半,即音符时值的四分之一。例如:

复附点常用于器乐曲中,在歌曲中很少使用。

(三)、简谱怎样表示休止
  在乐谱中表示音乐的休止(停顿)的符号称为休止符。简谱的休止符用O表示。
  休止符是一种不发声的符号,又称"无声的音符"。在音乐中,休止符一般起句逗作用,并能加强歌(乐)曲的表现力,变化歌(乐)曲的情绪,使曲调的进行表现出对比的效果。
  休止符停顿时间的长短与音符的时值基本相同,只是不用增时线,而用更多的 O来代替,每增加一个O,表示增加一个相当于一个四分休止符的停顿时间,O越多,停顿的时间越长。
  在休止符下方加记不同数目的减时线,停顿的时间按比例缩短。
常用休止符的写法、休止时值如下:

  在休止符右侧加记附点,称为附点休止符。附点休止符的停顿时值与附点音符的时值相同,即增长原休止符停顿时值的一半。

  音符是有声的,有的音可以拖长,而休止符是无声的符号,因此在实际使用中常用相当于附点时值的休止符来代替附点。例如:
   常写成
  在休止符右侧加记两个附点,称为复附点休止符,第二个附点表示增长第一个附点时值的一半,即休止符停顿时值的四分之一。例如:
  
  在简谱中,复附点休止符是很少使用的。

(四)、怎样认识简谱中的拍子和拍号
  将旋律的强拍与弱拍用固定音值进行强弱循环,有规律地组合,称为拍子。拍子分为单拍子与复拍子两种。每小节的每一拍由一个完整音符即单纯音符组成的拍子,称为单拍子;每小节的每一拍由一个附点音符或与其等值的音符组成的拍子,称为复拍子。
  用以表示不同拍子的符号称为拍号。拍号一般标记在调号的后边。例如:
    1=C 2/4     1=G 3/4
  拍号是以分数形式标记的,分数线上方的数字(分子)表示每小节的拍数,分数线下方的数字(分母)表示每拍音符的时值。如2/4拍子中的"2"表示每小节两拍,"4"表示以四分音符为一拍,2/4 即表示以四分音符为一拍,每小节有两拍。
  旋律的强弱是有规律的,拍子决定旋律的强弱次序。强拍用●表示,弱拍用○表示,次强拍用◎表示。2/4拍子的强弱次序为:●○,这种强弱强弱不断交替的拍子的旋律,给人一种步伐整齐、具有进行曲风格的感觉;4/4拍子的强弱次序为:●○◎○,具有一种庄严、崇高的感觉;3/4拍子的强弱次序为:●○○,给人以翩翩起舞的感觉。当然,这三种基本节拍的感觉并非绝对的。
  在歌曲、乐曲中,音符的强弱关系由小节线来划分。无论哪种拍子,小节线后边的一拍总是强拍,小节线前边的一拍总是弱拍。

(五)、怎样认识简谱中的调与调号

  在音乐作品中,为了更好的表达作品的内容与情感,适合演唱、演奏的音域和表现,常使用各种不同的调。
  调由两部分组成,即主音的高度与调式类别。如自然大调音阶1、2、3、4、5、6、7、i,1(do)的音高等同于键盘中的C音,则此音阶称为C自然大调音阶;自然小调音阶6、7、1、2、3、4、5、6中,6(la)的音高等同于键盘中的A音,则此音阶称为a自然小调音阶。在简谱中,歌曲、乐曲调的高低均按大调的高低确定,即按憗(do)音的音高确定调的高低。因此C大调与A小调在简谱中的调号均为 1 = C,它不代表歌曲的调式。
  调号是用以确定歌曲、乐曲(或调子)高度的定音记号。在简谱中,调号是用以确定 1(do)音的音高位置的符号,其形式为 1=……。例如当一首简谱歌曲为D调时,其调号就为 1= D.
  键盘上任何一个音都可以作1(do),1(do)音在键盘上的位置确定后,按照音阶各音之间的全音、半音关系,即可找出各调的音阶位置。

三、唱歌技巧


●歌曲的演绎表现:
  第一是声音。这是一个很专业的学问,包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。
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  第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强,很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分,而忽视情感,这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因,是因为歌手的实力有限,演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等,这都是无可避免的。所以,如果唱歌要做到“声情并茂”,练功相当重要。当你练声成熟的时候,演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好,歌不是用嘴唱的,而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步,演唱就更随心所欲的注入情感,演绎歌曲的感染力会更强。
  第三是感受。音乐的感受是天生的,你有多少就是多少,后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受,民歌需要民歌的感受,比如你要阎维文唱“一无所有”,我敢保证会笑翻一帮人!歌手的感受不同,演唱歌曲的处理方式也不同,有的处理得很平淡,有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的,比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。
  第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗?你见过一个3岁多的小孩现场演唱,爸爸给他手风琴伴奏,随时改变音调,他进唱的音调都是准确的吗?你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下,要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音,哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗?这就是天分,演唱歌曲需要这样的基础,虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。
  第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较,业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗?你可能有个模糊的形象,就是你投入演唱时自己想象自己的模样,而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象,自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗?你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗?其实当你上台的第一个眼神或者第一句话,就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等,当然也有很多专业歌手也不全面,但我个人认为,如果要做专业歌手,就应该贯彻这些,要对得起“专业”这个词。
  ●理解歌词
  在学一首新歌之前,有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的?又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境?一首歌曲,无论是先有词还是先有曲,双方作者都是认真揣摩对方(词作者或曲作者)要表达的意境和思想,如果到了你这里,你居然完全不理会他们的用心良苦,就这么凭着自己的感觉唱,我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我,这种方式不是不好(而且我也喜欢这样),但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的,有些词曲你找不到更合适的表达,比如国歌。
  在你深刻理解歌曲以后,你的情感处理方面一定会好很多,如果你的感悟能力强,你会情不自禁的把某个音唱重,某一个音轻轻带过,一个激情的长音会拖得很饱满……
  话和唱歌,除了旋律、节奏、气息,还有其它区别吗?有,那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”,然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的,而且要夸张一些。如果你觉得差不多,就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张,这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。
  演唱国语歌,还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌,要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听,或者他们根本就不知道这个发音。
  ●气息
  说道这个话题,就有些茫然,因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前,练美声两年,给我的感悟很深,气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平,就用平常说话的位置(嗓子)发音,我们叫它声音发“白”,没有色彩、没有过滤。表述一下美声练声的方法。
  声音应该以小腹为根源,想象声音透过后脊梁,到脑后,到口腔后根,整个声音应是竖立的,靠后的。请找一找这样的感觉:你大口咬一口苹果,露出上牙齿,在一口咬下去的同时,发出“嗯”的声音,感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置,这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉,小腹膨胀,稍在小腹用力一顶,在刚才的位置发声,男声喉结压下,女声多注重声音在脑后靠上的位置,你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声,因为靠墙可以接触你的后脊梁,让你更容易找到感觉,并且胸腔的共鸣能和墙产生共振,让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米~妈”的练习开始,逐步升高,有助于练习高音气息;再从高往低练习,这样反复,总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”,经常想象自己的声音是竖立的,而不是扁平的;另外还讲究的是“共鸣”,声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后,会很圆润、饱满。要体会共鸣,你可以这样做:闭上嘴巴,发出“嗯”的音,稍带点深情的感觉,“嗯”的长一点,会感觉头和胸前在震动,如果气息好,这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话,就会知道什么叫胸腔共鸣了(外国人的胸腔结构更容易产生共鸣)。
  另外还要提到的是肺活量,歌手演唱需要较大的肺活量,比如一些很长、不换气的某句旋律,可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息,好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量,比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时,气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来,一下就把本来肺活量不足的气放跑了,如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量,演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛,尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧!这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢?当然这还需要歌手要放松,不要紧张,一紧张,心脏跳动加快,你的气息就更稳不住了
  不过要提醒的是,练声是演唱流行歌曲基础,千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌,那样就过于做作,就会像阎维文唱“一无所有”。
  关于流行歌曲的用嗓,只要符合歌曲意境,要喊要破也未尝不可,但这些都是美声中绝对禁止的,所以我们要取长补短,因为我们不是为了唱美声而练美声,我们是为了唱好通俗才练美声,就像武术要练马步一样,你见过打架的时候蹲着马步打的吗?
  有朋友说这样的表述很难理解,要我说说流行歌手里谁的气息很通透,就照着感觉去学更容易领悟,这也是一个有效的方法。
  ●高音
  这是朋友们最喜欢问的一个问题,用他们的话,因为高音“够拽”,呵呵!再次补充一下,好的演唱要综合很多方面,不能说高音越高就是唱得越好。确实,很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力,但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音,其实饱满的中低音也很有感染力
  唱高音的时候,气息一定是以小腹、丹田为根基的,京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。
  找找感觉1:如果你是一个女孩,鞋子上突然有一只老鼠,你会怎样?估计会“啊~”的一声长鸣,并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后,你在“啊~”一下看,大多数再也“啊”不上去了。为何?因为你收到惊吓的的那一刻,你的小腹在紧张,(想想被惊吓的感觉,是不是全身肌肉绷紧?)正因为有了这样的根基,加上一股强大的气流(可以理解成唱歌的气息),直冲嗓子眼,声音不高才怪。所以,你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”,记住,一切以小腹为根基,要唱高音不是抬起头往上扯的,是感觉重心向下的一种反弹力。
  找找感觉2:见过橡皮水管吗?要水管里的水飙向更远怎么办?掐紧水管前端,缝隙一小,压力增大,水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大,有些歌手演唱高音时唱出很大的声音,我们说那是用力气和肺活量在唱,而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论,应该可以悟出些道理。
  找找感觉3:地上有一块很大的石头,把它搬起来吧。你一弯腰,嘴里数数:“一、二、三、走……”,我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了,感觉一下吧,身边有些什么重的……呵呵!这只是一些我创立的让你感觉气息的方法,不正规,但很有效。
  还要告诉大家一点,表现高音的能力与你本身嗓子条件有关,如果嗓子天生高亢是很大的优势,比如“孙楠”就是典型的高嗓子,高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了,但不管是嗓音条件好或不好,声音都是通过气息唱出来的,就像香烟要通过过滤嘴一样,声音过滤一下会更美。
  另外我还告诉大家一种心理方法,高音时想象你是在面对广阔的大海高歌,望不到边的海天一色,这样的风光不值得你大声呐喊吗?
  ●中低音
  中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样,很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的,先天性比较强。以我的经验,低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多,能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌,早上起来不刷牙、不洗脸直接录,声音会下去很多。所以,中低音欠缺的人尽量避免这样的歌,扬长避短,同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质,中低音唱好是很迷人的哦!
  唱低音要胸前和嗓子放松,用叹气的方式可以加强一些共鸣,实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣,会感觉声音浑厚一些。但不管怎样,嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。
  唱中音要多加以润色,包括吐词换气都具有美感,当然这又与感受唱功有关,中低音多听听“蔡琴”的吧。
  ●整体与风格
  很多歌手只注意句与句的细节,把演唱的细节单位放在“句”的上面,而不是在整首歌上。
  把整首歌画一条起伏的线条吧,你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点,就像足球场上的位置感一样,盯着局部怎么打出长传进攻的有效配合呢?
  除非有了一定的实力,否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始,但不要单一,多唱各种风格歌手的歌,耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验,这是好事,到了成熟以后,加上自己的练声和感悟,再挖掘自己的风格是水到渠成的事。
  演唱要投入,但投入是要有一个度的,不是要你“使劲”投入,过分伤感或喜悦,在理解词意的基础上,有分寸的投入即可。比如有些类似的词:“……你怎么舍得我难过……”,我就见过唱得痛苦至极的人,那样就没有感染力了,反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌,演唱的时候面无表情、唱得很平静,嗓音沧桑,唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸,不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢?这就要靠歌手的音乐感受了。
  有些朋友在模仿歌星时,不自觉的夸大了明星的特点,比如模仿张学友时,会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音(那时张学友早期的一个特点,现在好像不多见了);在模仿张国荣时,会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣;模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱,并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌,每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸,后来我劝他多些本色,反而更像原唱了。其实有时候旁观者清,多请教朋友们的意见会很有好处。
  另外,情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣,也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多,感悟得就越透彻。
  颤音,实质是用气息演绎歌曲的时候,强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动,小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音,有些歌星通过喉结的抖动(刘德华)和嗓子眼的一紧一松(张信哲)“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格,但在很多高潮部分,他们也具有强大气流的颤音。所以,还是那句话,气息是根本。用了气息,自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲,有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上,有时似一种悄悄话,有时像一种无奈的叹息,不会有强大的气流支持你的颤音,这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音,我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来,有时候抖抖喉结,控制嗓子眼里的声音也未尝不可,只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。
  没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺,就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧?这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法,当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音(稍快),他能让你找到抖动喉结的感觉,慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音,再慢慢的转成“你~”的发音,再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵,这只是一种感受喉结抖动的颤音方式,与气息发声不一样,保准声乐老师看了会气死!但没件事都需要循序渐进,慢慢揣摩,不妨试试。
  ●歌唱的姿势是正确发声的基础
  
  有人说:“姿势是呼吸的源泉,呼吸是发声的源泉。”歌唱训练,首先要有正确的歌唱姿势。正确的歌唱姿势是:
  1.身体自然直立,保持自然放松,这里的放松绝不是松垮、瘫痪,它应呈现一种积极向上的状态,也就是精神饱满的状态。
  2.头部保持于眼睛向前平视稍高的位置,胸部自然挺起,两者略下后一点,小腹收缩,两臂自然垂直,全身有一种积极运动的状态。
  3.两脚一前一后稍分开,前脚着力,身体的重量要平稳,重量落在双脚上。
  4.面部、眼睛要自然生动,眼睛是心灵的窗户,因此在演唱中眼睛切记应当张大一些,不要眯起眼,虚着唱歌。
  5.嘴巴是歌唱的喇叭,应当张得开,切记紧咬牙关。
  6.还有歌唱对下额收回,正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线,脖子和后背、腰部连成一线,这样才使气息畅通无阻。
  7.演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的运动,但动作要简练大方,切忌矫揉造作,画蛇添足。
  ●歌唱的呼吸方法
  学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础,由呼吸控制的歌声才是声乐,呼吸是歌唱的原动力。歌唱时呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。歌唱中的呼吸包含着吸气和吐气两个过程。
  1、吐气:歌唱用气时,仍要保持吸气状态,这点很重要,就好比给自行车打足了气,不能一下子放松,这里还有一个保持呼吸的问题,要保持气息,就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态,控制气息徐徐吐出,要节省用气,均匀地吐气,这就是所谓气息的对抗。在呼与吸的过程中,要注意呼吸僵硬的感觉,整个身体表情都应该是积极放松的,紧张的部位就是横隔膜、两肋,两肋就是一只充气的气球一样,我们要让声音坐在上面,不能让气球往上浮起来,也就是说要气息拉住,不能让它提上来,这就牵扯到一个气息支点的问题。
  2、吸气:用口、鼻垂直向下吸气,将气吸到肺的底部,注意不可抬肩,吸入气息时使下肋骨附近扩张起来,腹部方面,横膈膜逐渐扩张,使腹部向前及左右两侧膨胀,小腹则要用力收缩,不扩张,背部要挺立,脊梁几乎上不动的,但它的两侧却是可以动的,而且也是必须向下和向左右扩张的,这时气推向两侧与背后并贴在那里,保持住然后再缓缓将气吐出。
  ●歌唱的共鸣
  歌唱的声音要有比较宽广的音域,要有相当响亮的音量,要有表达歌曲情感的各种声音色彩。这些除了要靠正确的气息控制、正确的发声外,更要靠正确掌握人体对发声共鸣的作用。共鸣能够形成的声音质量变化,要比声带自身的发声能量大很多,由于共鸣时产生的浮音与声带振动发出的音组成重音,因此,它使声音得到了美化,达到宏亮、丰满、悦耳、动听的效果。
  1、共鸣的运用:在歌唱发声时,应用混合共鸣的方法掌握好共鸣在个声区的混合比例,使个这共鸣腔保持一定的平稳,使声音获得更好的效果。唱高音时头腔共鸣应加强一些,口腔、头腔共鸣也要有;唱低音时声音低沉、浑厚,以胸腔共鸣为主体,渗入口腔共鸣和头腔共鸣,这样才能在换声区发声时,不发生明显的痕迹。在歌唱发中,声只有及时地调节各共鸣腔体才能使歌唱声音统一、饱满、音乐优美、色彩丰富。
  2、歌唱共鸣的方法:取得较好的歌唱共鸣,首先要注意发声器官各部分的协调配合,遵循渐进的原则,从中间往两头发展,即从口腔到头腔和胸腔,不能急于求成,下面简单介绍一下获得歌唱各种共鸣的方法:
  (1)口腔共鸣:口腔共鸣是声音从喉咙发出后第一个共鸣区域,是胸腔共鸣和头腔共鸣的基础。发声时口腔自然上下打开,笑肌微提,下腭自然放下稍后拉,上腭有上提的感觉,这样,声带发出的声波就随着气息的推送离开咽喉流畅向前,在口腔的前上方即硬腭前面部集中反映而引起振动。这种口腔功名效果明亮、靠前、集中、易于和头腔取得联系,且可减少咽喉的负担,起保护作用。
  (2)头腔共鸣:把口腔内声波在硬腭上的集中反射点稍后移,下腭骨放下,软腭和小舌头尽量上提,使口、鼻、咽喉之间的通道和空间更亮些,声波便沿着上腭骨而停到鼻咽腔、鼻腔和蝶窦等,引起振动,这种共鸣效果清脆、丰富、富有光彩。
  (3)胸腔共鸣:发声时,咽喉部呈打哈欠状态,下腭自然下垂,把声波的反射点从硬腭移向下齿背上,使声波在喉头和气管附近引起更多的振动,并继续传送到胸农会引起共鸣。胸腔共鸣的练习一定要注意松弛,千万不要过分地追求胸腔共鸣而去压迫喉头,把浓重的喉音误认为是胸腔共鸣。


  

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